Dennis Oppenheim

(Dennis Allan Oppenheim; Electric City, Washington, 1938 - Nueva York, 2011) Artista estadounidense. Destacó a partir de los años sesenta por sus reflexiones artísticas, que indagan en la relación del creador con el espectador. Su obra ha sido inscrita en diferentes estilos del arte moderno: el land art (Annual rings, 1968), el body art o arte corporal (Parallel stress, 1970) y las representaciones o performances (Rocked circle, 1971) en las que la fotografía, el vídeo y el texto figuran como materiales destacados. En 1972 eliminó definitivamente la presencia del artista para mostrar la obra como dispositivo autónomo (Attempt to raise hell, 1974; Way station launching and obsolete power, 1979). En 1998 expuso su obra en la galería Stefan Stux de Nueva York.

Dennis Oppenheim

Animado por su madre a seguir su vocación artística, e influido quizá por la profesión de su padre (ingeniero), como se vería en su posterior utilización de motores primitivos y piezas móviles, en 1964 obtuvo el grado de Bachiller en Bellas Artes (BFA) por la Universidad de Artes y Oficios de California, en Oakland, y en 1965 el de Master en Bellas Artes (MFA) por la Universidad de Stanford (Palo Alto, California). En 1966, una vez concluidos sus estudios, se trasladó a Nueva York, donde comenzó a impartir clases en escuelas de bellas artes, al tiempo que adquiría casa y taller en Manhattan, donde residiría toda su vida.

Influido por el movimiento del arte conceptual, la primeras obras del joven Oppenheim pueden adscribirse tanto a la corriente del body art («arte corporal») y sus performances o representaciones, como a los primeros momentos del land art («arte de la tierra»), que surgía a finales de la década de 1960. Entre 1966 y 1968, los incipientes trabajos de land art de Oppenheim incluían formas recortadas en el hielo o la nieve, como los Anillos anuales (1968), conjuntos de círculos concéntricos abiertos en forma de surcos en la nieve, situados junto a un arroyo justo en la frontera entre Estados Unidos y Canadá; una selección de fotografías y mapas de los mismos fue precisamente lo que Dennis Oppenheim presentó en su primera exposición individual en la Galería John Gibson de Nueva York (1968).

Junto a otros artistas del land art como Michael Heizer, Robert Morris y Robert Smithson, ese mismo año participó en la exposición “Earthworks” de la Galería Dwan de Nueva York. De 1969 es La eliminación del trasplante, una intervención de land art en un campo de maíz, una playa contigua y el fondo marino de la isla de Tobago. Su trabajo fue documentado en fotografías y exhibido como “Proyectos del Océano” en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA). Mientras tanto, a raíz de su amistad con su compatriota Vito Acconci, empezó a interesarse por el body art, arte que tiene como soporte el cuerpo humano; en 1970 presentó Posición de lectura para la quemadura de segundo grado, resultado de su permanencia al sol, durante cinco horas, con un libro abierto sobre su pecho.

En la década de 1970 fue uno de los artistas que empezó a utilizar cine y vídeo en sus performances artísticas. En 1971 expuso una serie de fotografías que mostraban la inserción de una astilla de madera debajo de la piel de un dedo, una deriva hacia el masoquismo detrás de la cual se encontraba una intención de denuncia de la Guerra de Vietnam. En aquel momento se unió a la Coalición de Trabajadores del Arte, de la que también formaban parte escultores como Robert Morris y representantes del arte minimalista como Carl André, que organizó manifestaciones en contra de la guerra en el MOMA.

Dispositivo para erradicar el mal (1997, Vancouver, Canadá)

A mediados de la década fabricó una serie de marionetas motorizadas, a menudo muy parecidas a su propio rostro, que colocó en escenarios inquietantes. También cabe mencionar la representación Tema para un gran éxito (1974), en la que interpretaba una canción con el estribillo «No es lo que hacemos, es lo que hace que lo hagas.» En la década siguiente comenzó su dedicación al machine art. Sus «piezas de máquina» eran complejos dispositivos que llenaban el espacio, una suerte de escultura arquitectónica monumental, como su Intervención de la imagen (1984), una pieza de acero, hormigón, placa perforada, rejilla galvanizada, piedra y vidrio instalada en la Universidad de Alaska, en Anchorage.

Conforme avanzaba esa década se interesó por la transformación de objetos cotidianos en arte para desembocar, ya en los 90, en una escultura que aspiraba a la condición de arquitectura conceptual y en la que puede rastrearse la influencia del pop art de Claes Oldenburg o de los objetos vulgares y sucios de Jeff Koons. A Oppenheim se debe un buen número de esculturas públicas cada vez más monumentales desperdigadas por medio mundo y a menudo controvertidas. En particular, dos obras le acarrearon sendos conflictos. Una fue su propuesta para el aeropuerto de Milwaukee: una gigantesca camisa transparente de plástico azul que debía cubrir parte de un parking subterráneo. Otra su Dispositivo para erradicar el mal (presentado en la Bienal de Arte de Venecia de 1997), encargado para la ciudad canadiense de Vancouver: se trataba de una iglesia de estilo puritano colocada al revés para que la aguja de su campanario hincara la tierra. Las críticas adversas (desde estéticas hasta religiosas: lo acusaron de blasfemia) llegaron al punto de forzar el desmantelamiento de la obra en 2008, aunque más tarde se le encontró otro hogar en la ciudad de Calgary.

Cómo citar este artículo:
Fernández, Tomás y Tamaro, Elena. «». En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea [Internet]. Barcelona, España, 2004. Disponible en [fecha de acceso: ].